Los creadores del Shōgun responden a todas tus preguntas finales pendientes

PARA EL EQUIPO de Justin Marks y Rachel Kondo, la vida se divide en dos categorías distintas: antes Shōgun, y después Shōgun.

«Podemos mirar atrás y recordar, porque éramos personas tremendamente diferentes», dice Kondo. Salud de los hombres. En los aproximadamente cinco años que le llevó al dúo creativo casado (tanto cocreadores como productores ejecutivos del programa, con Marks a la cabeza como showrunner) traer la adaptación FX de James Clavell’s novel A la vida para una nueva generación, la pareja tuvo hijos y, de hecho, “no tenía idea” de lo que les esperaba. De hecho, la eventual recepción del programa fue algo en lo que Marks pasó mucho tiempo pensando. «Cuando intentas diseñar el coche mientras lo conduces, requiere mucho esfuerzo», afirma.

El público ahora sabe hacia qué dedicaron todo ese tiempo. ShōgunLa conclusión acaba de salir al aire, trayendo consigo un final definitivo, aunque de una manera diferente a la que la mayoría posiblemente pensaba. No hay una batalla masiva; en cambio, es en gran medida una serie de momentos tranquilos impulsados ​​por los personajes mientras Toranaga (Hiroyuki Sanada) despliega su gran plan para convertirse en el Shōgun titular, mientras John Blackthorne (Cosmo Jarvis) acepta su lugar entre el pueblo japonés después del duelo la pérdida de mariko (Anna Sawai).

Salud de los hombres tiene una pequeña perspectiva sobre el después parte de las vidas de Marks y Kondo, después de haber asistido a un evento para el programa en la gira de prensa de invierno de la Asociación de Críticos de Televisión de Invierno a raíz de excelentes críticas para la serie, así como un evento especial en las oficinas de la Motion Picture Association en Washington, DC la noche del estreno de la serie, que les mencionamos a la pareja. Este último evento, en particular, fue un asunto ligeramente emotivo, ya que marcó la última parada de una gira de prensa mundial y la última vez que los actores clave, incluidos Marks, Kondo, Sawai y Sanada, estuvieron todos juntos. Había una sensación palpable de cercanía entre todos en el escenario, pero especialmente entre Kondo y Sawai, mientras ambos hablaban de lo que la serie significaba para ellos.

Ahora, con el final disponible en el mundo, Kondo y Marks son responsables no sólo de lo que probablemente será el mejor espectáculo del año—Pero uno de los mejores espectáculos de esta (aún temprana) década. En una conversación llena de spoilers sobre el final con Salud de los hombreslos dos hablaron sobre cómo Sawai y su interpretación de Mariko se convirtieron en el centro emocional del programa, cómo los dos creativos pensaron sobre los temas de la confianza y la fe, su enfoque de los finales y mucho más.

SALUD DE LOS HOMBRES: ¿Cómo se construyen los finales? Didentificación Shōgun d¿Diferir de alguna manera?

MARCAS DE JUSTIN: Lo bueno de un final es que le escribes y sabes cuál es ese momento. Es una verdad emocional. Siempre supimos que, de alguna manera, iba a terminar con una simple mirada entre Blackthorne y Toranaga en esa playa, mientras él volvía a sus tonterías, sacando el barco del océano. Pero ahora dándose cuenta es su mierda. El reconocimiento silencioso de «Bien jugado». Este es el juego, y yo participé directamente en él, entre él y Toranaga. Siempre fue eso, y luego cómo se llega a eso, pero ¿cómo espiritualmente Llegaste a eso, había 1000 respuestas posibles diferentes. Eso es apasionante, porque lo que acaba pasando es lo que sorprenderá. a nosotros. Es llevar a Blackthorne a lo largo del viaje de este pícaro, en su mayoría familiar, hacia la autoconciencia y la iluminación que no tiene necesariamente que ver con su cultura, aunque, por supuesto, realmente sí lo tiene. Es la idea de que le dará la espalda a una versión de su vida no vivida y ahora avanzará por un camino diferente, uno de rendición.

Lo divertido del programa es que crees que él viene a una tierra extranjera y les mostrará su genialidad. Van a identificar su genialidad, y luego su genialidad marcará la diferencia. Al final, no hace la más mínima diferencia. Ese fue siempre el caso en el libro; la única clave fue que Blackthorne se dio cuenta de lo pequeño que era su lugar.

RAQUEL KONDO: La única diferencia que hizo fue darse cuenta de que este mundo y estas personas existían antes que él y continuarían mucho después de su partida. Fue su viaje hacia esa comprensión lo que tuvo el efecto, más que sus ideas y sus maquinaciones.

MH: ¿Qué influyó en la decisión de abrir el final con un avance de un viejo Blackthorne? ¿Fue un dispositivo de encuadre divertido para ustedes?

JM: Fue completamente un dispositivo de encuadre, y fue una invención del libro que queríamos hacer como sala de escritores, esta idea de hacer un poco de desmayo…

RK: A partida del libro.

JM: ¿Qué dije?

RK: Invención del libro.

JM: Sí, no, lo inventamos nosotros. Así que si no te gusta, es todo culpa nuestra. Teníamos la vaga idea de que queríamos comenzar con un momento en el que se tratara de un anciano que recuerda su vida. Hemos visto esta estructura antes en los finales. En cambio, luego te das cuenta de que en realidad era la proyección de un joven que esperaba una versión de su vida que ya no quería. Blackthorne, en este momento de seppuku, está decidiendo matar a ese yo, ese posible yo. Luego lo sigue cuando deja caer su cruz al agua, lo que hace que el futuro no sea posible, porque tenía la cruz en esa escena.

Realmente nos encanta la idea de que esté mirando ese abismo de sí mismo: la versión de sí mismo en la que se habría convertido si el Episodio 1, Blackthorne, hubiera envejecido. Habría sido alguien que vive en una gran casa: aquí están mis herederos, están haciendo todas estas cosas, pero yo estoy vacío. Para citar a Mariko en el episodio 5: «No estoy libre de mí misma y nunca lo he estado». Esta es la liberación final que logró. Realmente nos encanta que ese motivo aparezca. Para nosotros fue clave poner a los lectores del libro en alerta desde el comienzo del episodio final y hacerles pensar: ‘Está bien, bueno, esto es nuevo’. ¿Adónde van con eso?

MH: Mencionaste la escena del barco con la cruz. ¿Puedes contarme sobre la atmósfera en el set ese día? La forma en que Cosmo Jarvis y Moeka Hoshi interpretan ese momento es realmente hermosa.

RK: Eso también es una desviación del libro.

JM: Tengo que darle crédito a uno de nuestros productores, Mako Kamitsuna, por desarrollar el núcleo de eso, porque estábamos hablando de formas de mantener vivo el espíritu de Mariko en la historia. Se sintió apropiado que los dos lloraran por ella juntos. Fue una escena difícil de hacer porque todo era práctico. No había pantalla verde ahí fuera. Ese barco se estaba balanceando. Se sintió muy crudo en la actuación, de una manera de la que estaba realmente orgulloso. Ambos llegan desde un lugar muy vulnerable.

RK: Y también de lugares muy diferentes. Fuji llegó desde un lugar japonés, esta idea de verter las cenizas de sus hijos; Estas son cenizas destinadas a ser almacenadas en una bóveda familiar. Se aferran a ellos. La idea de verterlos es tan antitética y, sin embargo, la idea de que Blackthorne soltaría esta cruz, mientras que el occidental querría aferrarse a algo. De ahí proviene la crudeza. En realidad, lo abordaban desde sus perspectivas únicas. Se convirtió únicamente en Blackthorne y Fuji.

MH: La actuación de Mariko y Anna es realmente el núcleo emocional del programa, nos guía a través de esto, y esa comprensión realmente ha influido en mi propia visualización del programa. ¿Fue algo en lo que te diste cuenta de inmediato mientras profundizabas en el material? ¿Fue algo que surgió naturalmente durante el proceso de escritura? ¿O fue a través de la actuación de Anna?

RK: Es una gran pregunta. Al principio, obviamente me sentí atraído por ella como personaje, pero de ninguna manera podría haber anticipado la profundidad y profundidad. Nos atrajeron todos los personajes en diferentes puntos, pero para Mariko, cada etapa del viaje fue más profunda. La última profundización ocurrió cuando conocí a Anna y comencé a trabajar con ella. Ya no hay forma de desenredar a los dos. No puedo distinguir uno del otro. No sabía que tendría el significado que tenía para mí.

Me siento tonto al hablar de ello, porque me siento tan profundamente afectado por el personaje que tengo que echar un vistazo a mi propia herencia, mi propio pasado, mi propia abuela japonesa, todas estas cosas que parecen tan específicas de a mí, pero siento que cualquiera que se conecte con Mariko como personaje puede decir eso. Espero que así sea, al menos, porque su historia es su historia. Pero también es mi historia. Es la historia de cualquier mujer que ha luchado por encontrar una voz, o que ha luchado por encontrar palabras para expresar esa voz.

MH: Mencionaste antes el reconocimiento de Blackthorne a Toranaga. Cuando pienso en su personaje, lo que a menudo me viene a la mente es ambigüedad, en el buen sentido. Porque si está escrito de forma incorrecta, puede resultar frustrante para el espectador. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre hacer que sus planes sean lo suficientemente ambiguos como para que la audiencia no esté cuatro pasos por delante, pero sin convertirlo en una cifra completa para la audiencia?

RK: Dijiste ambigüedad en un Buen camino; mi mente entró en la ambigüedad en un manera necesaria. Esa era su ventaja. Él fue simplemente la persona que no luchó contra la ambigüedad, que permitió la ambigüedad porque la ambigüedad es lo mismo que posibilidad.

JM: La gente tiende a juntar confusión y misterio. Queremos misterio y no confusión. Para hacer eso, a veces hay que encontrar la verdad. Eso se reduce a la actuación. He notado algunas conversaciones y reflexiones sobre Hiromatsu (Tokuma Nishioka) y Toranaga, y si planearon o no el teatro seppuku que llevaron a cabo. Para nosotros, la respuesta fue muy definitiva. No. Lo que Toranaga entendió que probablemente sucedería es que estos generales probablemente se suicidarán en protesta. Eso es muy triste, pero para su plan, muy necesario, para que Osaka crea que está hecho…

RK: …y está derrotado.

JM: Lo que sucedió que fue inesperado en ese momento es que Hiromatsu decide no dejarlos morir y dice: «Si este es realmente tu plan, lo haré».

RK: Hiromatsu también entendió que su muerte tendría más peso que estos randos—no es que sean randos, pero para nosotros, son randos. Hiromatsu no podría haber hecho eso si hubiera tenido una conversación con Toranaga. Toranaga lo habría disuadido de hacerlo. Él no lo permitiría. Ambigüedad estaba allí en la actuación porque él podría tener Luché contra ello en ese mismo momento.

JM: Hubo un momento clave en el set con Hiro (Sanada) ese día cuando le preguntamos: ‘Elige el momento en el que vas a mirarlo con una mirada’. ¡No, idiota! No tú. ¿Qué estás haciendo? rostro. Lo usamos en el corte de una manera muy específica; Puedes verlo en su cara. Eso es lo que quiero decir con «actuar es la clave del misterio/confusión». No hay ningún misterio ni confusión en la actuación de Hiro en ese momento. Está tratando de decirle que no lo haga, pero tan pronto como lo dijo en voz alta, se acabó. Hiromatsu tiene que seguir adelante. Ahora, está tratando de darle todas las salidas posibles, pero sabiendo que no puede y que no lo hará. Lo hecho ya está hecho.

Otro momento que tenemos, que puedes ver en la cara de Toronaga mientras Hiromatsu lo destripa. yo mismo es ‘Gracias’. Pasar de eso a la gratitud es simplemente hermoso en todos los niveles y es una clase magistral de actuación para ambos actores que tienen una larga historia juntos en el cine japonés. Es muy divertido de ver.

RK: Todo ello quedó subrayado por el afecto mutuo que se tenían, tanto como personajes como personas y actores.

JM: Lo que me recuerda que tengo que conseguir esa foto (ahora que no son spoilers, puedo publicarla en las redes sociales) de Tokuma-san sosteniendo su propia cabeza cortada.

RK: Mmmh, eso es lindo [Laughs.]

MH: Sigo volviendo a la idea de fe o confianza. La fe y la confianza que los personajes tienen entre sí, su fe espiritual real, la fe y la confianza que tenías con tus colaboradores. Tenías que confiar en tus colaboradores japoneses cuando te pedían que colocaras una coma en los subtítulos. Eso se extiende a la audiencia y a la idea de que confiarían en ti a medida que avanzas el espectáculo con un poco más de deliberación y paciencia. ¿Hasta qué punto era consciente de ese elemento temático a lo largo de este proceso?

JM: Mentiría si dijera que esa no fue una parte clave. El viaje blackthorneiano –un viaje hacia la rendición al patrón de los acontecimientos– fue algo realmente importante para nosotros. Egoístamente, eso cambió la forma en que voy a hacer shows en el futuro. Nunca fui un autor. Creo que el autorismo es una completa tontería, especialmente en el cine cuando lo decimos para directores, pero también creo que en televisión es una tontería que el escritor/productor sea el autor de esta obra. No lo creo. Creo que el escritor/productor es el autor de un proceso. Y el proceso es el autor de esa obra.

Llegué a eso produciendo Shōgun y darte cuenta de cuánto de eso tienes que dejar ir y entregarte como se entrega Blackthorne, como se entrega Toranaga, al patrón de los acontecimientos. Y dejar que tu esperanza sea la brújula que te guíe, o los hilos de una cometa. Pero dejar que el viento lo lleve a donde lo llevará y confiar en que el proceso conduce a alguna parte, porque usted entró en él con la intención honesta de contar esta historia, es vital. No puedes apretar demasiado esos hilos. Los personajes en Shōgun Los que se aferran demasiado son los que mueren.

RK: Me gustan esas palabras elegidas: fe y confianza. La palabra que agregaría a eso es una lealtad al proceso, permitiendo que el proceso sea la razón por la que puedes dejarlo ir. Porque puedes confiar en ese proceso, ¿verdad? Es como la jerarquía social japonesa. Tenías a tu Señor y morirías por este Señor. Tienes algo a lo que mirar, ya sea para bien o para mal, para bien o para mal, vas a permitir que te guíe. Te quita la presión de ser el genio detrás de todo, porque no tienes ese genio. Es el proceso lo que hace ese genio.

JM: Entonces Sí, es la respuesta. Pensamos mucho en eso.

RK: Sí.

JM: Mucho.

Esta entrevista ha sido condensada por motivos de contenido y claridad.